En este otoño que se avecina tendremos la oportunidad de disfrutar de grandes exposiciones que tendrán lugar a lo largo de nuestro país. Aquí recogemos unas cuantas que nos apetece recomendaros. Son las primeras, pero no serán las únicas.

Daniel Canogar (Madrid, 1964)

Hasta el 21 de octubre de 2017

Galería Juan Silió / Santander

Resonancias

‘Resonancias’ alude a cómo las obras de la exposición escuchan y reaccionan a las oscilaciones del planeta (viento, temperatura, actividad volcánica, etc.) a través de Internet.

En la línea de los trabajos que viene realizando en los últimos años, Daniel Canogar presenta “Resonancias”, su nueva individual en la galería Juan Silió, un reflejo de nuestro planeta y nuestra sociedad a través del Big Data y las nuevas tecnologías de comunicación.

En un mundo cada vez más globalizado, si cabe, debido al uso cada vez más intensivo y extensivo de Internet, y a la mayor capacidad de medición de todos los fenómenos que rodean el modo de vida humano, se puede saber casi de inmediato el estado de cualquier fenómeno natural o generado/derivado por la actividad humana. Canogar, mediante un impresionante despliegue técnico concentrado en obras de dimensiones no mayores de 2 metros, muestra un espectáculo de luces que precisamente traducen a tiempo real los algoritmos de algunos de estos parámetros mensurables accesibles gracias a Internet: precipitaciones, corrientes de aire, contaminación aérea, incendios y volcanes activos, etc.

Estas formas abstractas luminosas que dialogan con el espacio de la galería plantean también una reflexión, no solo acerca de la creciente necesidad de información inmediata que recibimos, sino también sobre la relación actual –no solo de mera herramienta, sino de la dependencia que generan- del hombre con las pantallas. Estas inundan la vida cotidiana en un sinfín de formas y tamaños. El artista madrileño, por ello, ha desarrollado un sistema de LEDs flexibles que permite la creación de pantallas curvas con formas sinuosas que poco parecen herramientas de representación de la información, en detrimento de una escultura en la que no solo se ven las representaciones dinámicas lumínicas, sino también su forma compositiva interna llena de cables y conexiones.

 

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Ángeles San José 

Galería Adora Calvo / Salamanca

DES /TIEMPO
En esta tercera exposición en la galería, la artista ha querido destacar los procesos de trabajo en el estudio .Se exponen obras realizada con madera lacada, grafito y fotografías, y recrea la técnica tradicional japonesa del kinsugi  reparación con oro – en alguna de ellas. Las acciones de pintado, despintado, lacado, rotura y reparación con oro aparecen impregnadas de la conciencia de temporalidad. Ángeles San José indica que Cada objeto tiene una carga de tiempo.
Su propuesta: si es posible sugerir con los materiales como se experimenta el tiempo en el taller, cual es el tiempo del artista…

ADORA CALVO

Spok Brillor

Galería Kreisler / Madrid

“400 ISO”

Hasta el 3 de octubre

Primera exposición individual de Spok Brillor, en la Galería Kreisler de Madrid de la mano de Ink and Movement. Aprovechando los primeros openings de galerías en la capital, es obligado visitar la muestra de este gran artista cuya trayectoria en el mundo del graffiti no deja indiferente a nadie.
“Mi obra es fruto de una agitada trayectoria, un poliedro de múltiples aristas. A menudo hago uso del lenguaje figurativo, otras del abstracto; pero siempre manteniendo lo fantástico, el humor y la ironía. Tanto mis murales como mis pinturas son producto de un diálogo interno con el espacio urbano y la nostalgia por el graffiti primigenio”, comenta el propio Spok.

En la obra de Spok confluyen muchos de estos asuntos, basándose ésta en dos dicotomías perfectamente definidas: Pintura vs. fotografía y taller vs. calle. Su intachable bagaje como escritor de graffiti ha esculpido un lenguaje plástico y conceptual que empuja su obra en múltiples direcciones, pero todas ellas apuntan hacia un lugar común: la ciudad y su erótica oculta. Una metrópolis ficticia y universal que esconde recovecos y experiencias sombrías pero que trata de definirse a través de reflejos y flashes. En todas sus pinturas hay un strip-tease iconográfico que contemplamos con cierta confusión; ya que, a pesar de la ultradefinición de sus obras, existen en ellas un gran porcentaje de ideas veladas, escondidas tras las cegadoras luces de lo artificial. Podríamos decir que su obra cumple las funciones de un espejo, pero a diferencia de esos artilugios que nos devuelven un reflejo fugaz, las imágenes de Spok retienen con alevosía muchas de las propiedades poéticas de la luz, sobre todo aquellas relacionadas con la opacidad y la transparencia.

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Raúl Kalesnik
Art Deal Project / Barcelona

El lugar donde vivo

Inauguración el jueves 14 de septiembre a las 19.30h.

Por segundo año consecutivo, Art Deal project colabora con este premio internacional mostrando en la ciudad condal el proyecto ganador, en esta ocasión una interesante propuesta de postfotografía que ahonda en uno de los problemas claves de la sociedad actual, la violencia y su reflejo en las mentes de los más pequeños. Raúl Kalesnik, fotógrafo mexicano, utiliza las nuevas herramientas que pone en nuestra mano Google street view para unirlas a dibujos hechos por los niños de su país en que retratan algunas de sus vivencias cotidianas marcadas por la violencia callejera. Esta conjunción de medios aporta una nueva visión de la escena y a su vez pone encima de la mesa una serie de problemáticas como el acceso a las armas, como se alimenta el miedo en el tratamiento de los medios de comunicación y la excesiva presencia de imágenes violentas que nos rodea. Todos estos aspectos condicionan nuestra sociedad e impactan de manera especialmente trascendente en la infancia condicionando así su futuro.
A Raul Kalesnik siempre le ha llamado la atención esta carga excesiva de violencia que desborda su país y de la que es imposible escapar. La radicalidad del escenario le recuerda al conocido cuadro de Pieter Brueghel el Viejo, El triunfo de la muerte, donde un devastador ejército de esqueletos arrolla a los seres vivos que encuentra a su paso sin distinguir a gobernantes de soldados o campesinos.

En su serie de fotografías –Premio Nexofoto 2017– El lugar donde vivo, el artista pone en evidencia como los niños mexicanos tampoco están a salvo del bombardeo de imágenes e incidentes letales que atestan su país. Los singulares collages fotográficos combinan dibujos pertenecientes a la convocatoria infantil del mismo nombre (El lugar donde vivo) con capturas de Google Street View de algunos de los estados más peligrosos de México: Sinaloa, Ciudad Juárez, Michoacan, Veracruz, etc. Las ubicaciones no corresponden a lugares concretos en los que haya sucedido un crimen o, por lo menos, desconocemos si así ha sido. En realidad, los forcejeos, las intimidaciones o los asesinatos pueden ocurrir en cualquier calle anónima e involucrar a personas inocentes, incluyendo niños y adolescentes. Frente a este panorama, no es de extrañar que las encuestas lanzadas por la Universidad Autónoma de Sinaloa muestren el deseo de un alto porcentaje de jóvenes de 9 años de ser narcos o sicarios.

La exposición muestra una realidad cruda y firmemente asentada a través de los ojos de los más vulnerables: niños que absorben e integran de manera natural hechos atroces y delictivos. ¿Qué se puede esperar de semejante aprendizaje? Raul Kalesnik dibuja con destreza una serie de problemáticas que invitan al visitante a tomar conciencia y responderse con su propia reflexión.

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Marcel Dzama, (Winnipeg, Canadá, 1974)

La Casa Encendida de Fundación Montemadrid / Madrid

Dibujando una revolución (Drawing on a Revolution)

La exposición muestra, por primera vez en España, sus últimos trabajos centrados en la temática de la revolución en los que convierte su arte en respuestas activas a la situación política actual. En gran medida, se acompañan de textos o citas que actúan como manifiestos o eslóganes para reflexionar sobre la sociedad contemporánea y las problemáticas que la componen, tanto en Estados Unidos, como en el resto del mundo

En la exposición, el cuestionamiento social y político actual convive con su famoso particular mundo de fábulas y complejas narraciones, donde la mascarada, la ironía, el disfraz y la caracterización de sus personajes remiten a un universo propio, un lugar repleto de vida y muerte, de música, de calma y violencia. Desde sus primeros dibujos, realizados con su famosa gama de colores apagados, ocres y verdes, se define un imaginario en el que conviven figuras extraídas de cuentos populares, del mundo del cómic o de la televisión, que deambulan junto a soldados decimonónicos, terroristas del siglo XX, animales inventados, bailarines de ballet o cantantes de ópera

Como retrata Estrella de Diego en el catálogo que acompaña la muestra, la obra de Dzama, como el carnaval, representa “el último resquicio para mantenerse fuera del orden y sus restricciones; una ranura para la subversión”

El universo de Marcel Dzama está basado en multitud de referencias e influencias como Goya, Marcel Duchamp, el dadaísmo, Picabia o el Bosco. En los últimos años ha ampliado su ámbito al embarcarse en distintas colaboraciones con artistas de otras disciplinas. Aunque se ha dado a conocer principalmente por ser un prolífico dibujante, en sus trabajos más recientes traslada su mirada a las tres dimensiones explorando la escultura, los dioramas, las maquetas, la escenografía y el cine.

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Koen Delaere & Bas van den Hurk

CCA Andraitx

Scenarios of Desire

Hasta el  10.12.17 En el contexto contemporáneo, el arte se sirve de la democratización de nuevos medios de comunicación para crear su propio lenguaje idiosincrásico. John Kelsey afirma que “viendo cómo la pintura ha colonizado las redes sociales últimamente, es difícil no sentir que hay una especie de fuga en este medio, desde el momento en que parece estar viviendo una extraña y feliz vida nueva” – reflexión que comparten los artistas Koen Delaere y Bas van den Hurk. En esta sociedad del trabajo en red, la serie interminable de ejes temporales que atraviesan el invisible eje del espacio global brinda hoy la oportunidad a las pinturas de “viajar” a una velocidad que a veces ni física ni lógicamente es posible captar, percibir o incluso relacionar desde la perspectiva de la escala humana.

En “Scenarios of Desire” estos dos artistas holandeses desafían la vieja, firme y provocativa declaración de que la pintura está muerta y es estática. Cuestionar la vida (posterior) de la pintura como medio que refleja el actual estado del ser, comprende cuestionar también nuestra íntima relación con las redes sociales dentro del contexto artístico y cotidiano. Por ello, los artistas consideran la muerte de la pintura algo redundante y redirigen nuestra atención hacia la transitividad y la movilidad de las imágenes con el fin de poner el foco sobre el híbrido de materia y sensación, del que están hechas sus pinturas.

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Ángel Alonso (1923 Laredo – París 1994) 

Michel Soskine Inc / Madrid

Exiliado en Francia desde 1947, hombre de carácter fuerte y de pintura contundente, amigo inseparable de María Zambrano, ha sido en ocasiones olvidado por la historia del arte español. Veinte años después del fallecimiento del artista en París, su obra reaparece con toda su fuerza y radicalidad. En palabras del historiador del arte Francisco Jarauta, “Alonso domina la materia y la técnica que él mismo se ha dado y con las cuales consigue corporeizar los colores que más le obsesionan”. La exposición estará compuesta por una selección de obras, especialmente de los años sesenta a los noventa, periodo en que el artista alcanza su estilo más depurado. En sus últimos años, tras una etapa en la que trabaja casi sobre el blanco y negro –con series como Desastres, 1991–, se vuelve a entregar al color “lo que da como resultado unas poderosas telas en verde, amarillo, naranja y blanco de sus últimos años”, explica el escritor Juan Carlos Marset al hablar de la obra de Alonso. La exposición está dividida en dos salas; en una de ellas se exponen obras compuestas exclusivamente en blanco y negro y en la otra, se reúnen obras con el color como protagonista.

Ángel Alonso utiliza el color y lo trabaja desde la textura. “Los colores son obstinados, hacen abrir los ojos de par en par”, afirmaba el pintor. Sus tonos exceden los límites del lienzo y se mezclan con la materia, con la tierra, la madera, las piedras y los objetos que el artista introduce en las obras. “El color sobrepasa el lienzo, desborda los marcos, borra o no tiene en cuenta los soportes”, detalla Marset.

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Nicolas Grospierre (Ginebra, 1975)

HELIOSOPHIA
Hasta el 18 de noviembre de 2017

ALARCON CRIADO / Sevilla

Según la mitología griega Helio, dios del sol, montaba un carro ardiente a través del cielo e iluminaba de esta manera el mundo. Cuando Helio dejó a su hijo Faetón conducir el carro, el jinete inexperto perdió el control amenazando con estrellarse en la tierra y destruir el mundo. Zeus tuvo que golpear con un rayo el carro de Helio, y Faetón resultó muerto.

Los mitos clásicos suele proporcionar relatos concretos para hacer más comprensible la relación del hombre con el mundo que lo rodea. Ecos del episodio mitológico de Helio se pueden encontrar en la última exposición de Nicolas Grospierre en Alarcón Criado: Heliosophia. Compuesta de dos series distintas pero fuertemente imbricadas, Heliosophia presenta obras que plantean una relación ambigua con el sol (la luz en general), como una fuente capaz de generar imágenes, pero también como un agente destructivo de las mismas.  El primer grupo de obras, Heliographia, son composiciones geométricas abstractas realizadas sobre grandes superficies de terciopelo. Lo que podría parecer  una obra pictórica es de hecho la acción directa del sol durante varios meses alterando el tono monocromo del terciopelo. Durante este tiempo, formas opacas fueron colocadas sobre la superficie y se movieron periódicamente, actuando el sol sobre las partes expuestas. Técnicamente se trataría de una especie de fotografía sin papel, sin película, sin cámara incluso, siendo la incidencia de la luz solar sobre la superficie el único principio activo de estos trabajos. La segunda serie de obras, Heliópolis, es un conjunto de fotografías de edificios modernistas de diferentes partes del mundo, cuyo denominador común es que todos ellos han sido destruidos, cada uno por razones diferentes y específicas. Estas fotografías pertenecen al renombrado archivo “Modern Forms” que el artista viene realizando desde hace casi dos décadas y que recientemente fue publicado por la prestigiosa editorial Prestel.

Heliografia I (khaki), Velvet mounted on wooden board, 100x90 cm, 2016

 

Callum Innes (Edimburgo, 1962)

Ivory Press / Madrid

Hasta el 11 de noviembre 2017

In Two

La muestra se compone de nuevas pinturas y acuarelas. En 2016 Ivorypress publicó el libro de artista Edges, para el cual el artista creó nueva obra para nuestra serie LiberArs. Innes entiende la pintura como un proceso aditivo donde la superficie del lienzo empieza a moverse y fluir cuando —un instante en el que acercas la mirada— comienza la vida emocional de la pintura. Sus obras evocan el dividido campo de un experimento perceptual en el que una imagen es dirigida al hemisferio derecho del cerebro y otra al izquierdo.

La obra recopilada en esta exposición es casi escultural y criptográfica, no completamente monocrómica cada una se convierte en una confección única de textura y luminosidad. Está llena de limitación aprendida y abandono sensorial.

Callum Innes es uno de los pintores abstractos más destacados en todo el mundo. Estudió dibujo y pintura en Gray’s School of Art de 1980 a 1984 y entonces completó un título de posgrado en Edinburgh College of Art, en 1985. El trabajo de Innes está presente en numerosas e importantes colecciones púbicas por todo el mundo, entre las que se incluyen: la Tate Gallery, Londres, Inglaterra; el Kunstmuseum, Bern, Suiza; las National Galleries of Scotland, Edimburgo, Escocia; el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EE.UU.; el Centre George Pompidou, París, Francia; el Irish Museum of Modern Art, Dublín, Irlanda; el Museum of Modern Art of Fort Worth, EE. UU.; el San Francisco Museum of Modern Art, EE. UU.; la National Gallery of Australia, Canberra; la Albright-Knox Art Gallery, Bu alo, EE.UU.; la Art Gallery of Ontario, Toronto, Canadá; y la Deutsche Bank Collection, Alemania.

En 2012 el Edinburgh Art Festival le encargó transformar el Regent Bridge de la capital, el cual iluminó con una cambiante secuencia de luz coloreada. En 2016, Innes fue objeto de un importante estudio retrospectivo de su obra, publicado por Hatje Cantz y que llevaría el mismo nombre que la exposición I’ll Close My Eyes, inaugurada ese mismo año en De Pont Museum en Tilburgo, Países Bajos.

ivory press 

 

Joan Brossa

MACBA / Barcelona

Hasta el 25 de febrero de 2018

Las exposiciones monográficas Poesía Brossa, que enfatizará los aspectos performativos de la práctica poética brossiana, Esta exposición monográfica de Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) reúne más de 250 obras, y una abundante selección de documentación procedente del Fondo Brossa, en un recorrido que muestra la consolidación del lenguaje artístico brossiano a través de sus investigaciones plásticas, libros, teatro, cine, música y las artes de la acción. Brossa es un poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Por ello, la exposición se centra en su poiesis, su manera de hacer. En ese sentido, teniendo como hilo conductor su poesía, la muestra parte de los antecedentes, las relaciones con otros artistas como Miró, Tàpies, Pere Portabella, Josep M. Mestres Quadreny y Carles Santos, y selecciona algunos casos de estudio de su producción hasta llegar a situar la obra y ponerla en diálogo con la de artistas como Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton Finlay. La performatividad será clave, ya que se desplegarán escenificaciones en las las salas a lo largo de los meses que se muestra Brossa y más allá de las actividades en torno a la exposición. El año 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. Este Fondo incluye obras manuscritas, documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales.

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Vik Muniz

Elba Benítez / Madrid

Handmade

Titulada Handmade, la muestra consistirá en obras abstractas de técnica mixta que yuxtaponen imágenes fotográficas con material físico, creando imágenes-objetos abstractos, parte trompe l’oeil y parte no, que desdibujan la línea entre la presencia física y la reproducción representativa. Visualmente convincentes al mismo tiempo que confusas perceptualmente, las obras únicas de Handmade representan un cambio en la práctica de Muniz, que en el pasado se ha centrado principalmente en fotografías de trompe l’oeil realizadas a partir de materiales inusuales (como chocolate, suciedad o trozos de papel). A su vez, este trabajo conforma una coherente extensión de la investigación filosófica más amplia de Muniz sobre la naturaleza estructural de la representación y de lo que podría considerarse la “lingüística” de la toma de imágenes.
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Pedro Almódovar

Bodegones

La Fresh Gallery

“Huyendo del tedio de la última Semana Santa cogí un vaso de cristal, puse dentro una flor y le hice una foto, y el tedio cedió ante una inesperada emoción.Estaba en mi cocina, admiré la luz que entraba por la ventana y la sólida y oscura carpintería de madera, la textura de la pintura al temple de la pared y el corian blanco de la encimera como si fuera la primera vez que los veía. Paralizado, fascinado. Y la ansiedad propia de esas fechas se convirtió en frenesí. Pensé en Antonio López y sus amigos pintores del hiperrealismo madrileño de los años 50 y durante los meses siguientes me dediqué con la misma urgencia del primer día  a probar objetos, frutas, floreros sobre la encimera de la cocina. Una especie de autobiografía a través de  bodegones compuestos por los mil objetos con los que convivo, incluyendo algunos cuadros que dialogaban en perfecta armonía con flores, frutas y verduras.
No utilicé nunca trípode, actuaba a salto de mata y con auténtico desenfreno. No sé si este frenesí era debido a la inspiración o a mi innata ansiedad. De todos modos, aquí está el resultado”. Pedro Almodóvar dixit. Para amantes y / o detractores del director manchego.

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