Como ya sabéis, en Millennialsart creemos profundamente  en el diálogo entre las diferentes manifestaciones artísticas: la pintura, la escultura, la literatura, la fotografía, el cine… Es posible disfrutar de ellas en múltiples contextos y establecer enriquecedoras confrontaciones entre todas ellas. Por ello hemos querido compartir con vosotros algunas de nuestras películas favoritas sobre arte contemporáneo que invitan a la reflexión y a la permeabilidad de los contenidos que aportan nuevas visiones enriquecedoras.

LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS (2010)

Una primera advertencia. Este film de Herzog es un documental que en una hora y media se adentra en la cueva de Chauvet en Ardèche, Francia, para filmar las pinturas rupestres más antiguas descubiertas hasta el momento. ¿Qué tiene que ver con el arte contemporáneo? Todo. Al igual que tiene mucho que ver la música de Perotin con Schiarrino por ejemplo. Estamos en el inicio de todo, ante la filosofía primigenia que aún rige los deseos y pulsiones del artista. Herzog demuestra su excepcional dominio del dramatismo y una belleza cruda a la hora de filmar lo rupestre. Utiliza luz de antorchas para reproducir las mismas sensaciones que aquellos artistas experimentaban. Las imágenes son manifestaciones mágicas en las que lo inanimado se convierte en una tensión dramática sin igual. Un lenguaje primigenio, un misterio, una ciencia, nada es incompatible.

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EL SOL DEL MEMBRILLO (1992)

Genial obra de Víctor Erice. Narra la experiencia del consagrado pintor realista Antonio López cuando este busca conseguir los efectos de la luz del sol entre las hojas de un membrillo del jardín de su casa. La quietud, la exploración a la hora de crear una obra de arte, el concepto artesano del arte, las conversaciones de López explicando el proceso creativo. Imprescindible para los amantes de la pintura.

BASQUIAT (1996)

Basquiat es una película dirigida por el multifacético Julian Schnabel. El drama está dedicado a la vida del artista estadounidense Jean-Michelle Basquiat, quien pasó de ser un homeless a convertirse en uno de los pintores neo-expresionistas más importantes de la modernidad. Lo mejor del filme es la capacidad de Schnabel por recrear los ambientes neoyorquinos de sus calles y la efervescencia cultural que allí se vivía, hasta el punto de que este arte, en un principio considerado como outsider, fue acaparado por las élites: el triunfo del underground como una contracultura asimilada.

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CONTEMPORÁNEO (2009)

Película de una productora de cine independiente realizada por Eudald Subirà y Christopher Jordi Lara. Se trata de  una sátira burlesca sobre el arte contemporáneo actual. Por encima de sus cualidades cinematográficas, que algunas tiene, la principal virtud de este film es la crítica acérrima que los autores trasladan sin compasión a los agentes que componen el mundo del arte contemporáneo. La vacuidad del medio, la vanidad, la falta de talento creativo van desembocando una a una en la conclusión final: patetismo impostado, la entronización del artista ficticio, en donde la transgresión es una ficción como lo es una peluca de carnaval. “Producir cualquier sonido no es hacer música… moverse de cualquier forma no es bailar… trazar cualquier línea no es pintar.” es uno de los diálogos de la película. Una escena que define la intención: unos jóvenes tocando el violín de forma excelente y aquel  tipo absorto en la lata de cola que se haya aplastada en el suelo.

POLLOCK (2000)

Película dirigida por Ed Harris sobre la renovación de las vanguardias históricas de la mano del genial estadounidense. El sueño americano de Pollock quien sublima su aportación al resto de la comunidad artística. De eso trata la película, de su ascenso social y ñla complicidad que encuentra en Nueva York y sus agentes del mundo del arte contemporáneo. Algunos lo llamarían mercaderes. El experto en Polock Javier Calvo advierte de lo que sucedió en aquellos días: “los artistas como Pollock son ya fruto de una democratización del arte: el dinero es la única medida de corte, clasista, sí, pero no estamental.  Junto con las instituciones, existe otro agente legitimador que se muestra en la película desde la propia escena de comienzo: los medios” Por eso Pollock, a partir de ahora, es propiedad de la nación americana como un valor establecido.  Es decir, se produce una mitificación del autor a través de la aceptación de su obra. Aún recordamos la magnífica interpretación de Ed Harris en el papel de Pollock.

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EL MISTERIO PICASSO (1956)

Documental sobre el proceso creativo de Pablo Picasso en su propio estudio, dirigido por Henri Georges Clouzot y que nos revela la técnica y el proceso creativo que subyacen a las obras del genio malagueño. El Misterio Picasso muestra las capacidades de Pablo a la hora de enfrentarse al lienzo y su técnica de trabajo y algunas peculiaridades interesantes del genio cuando le llegaba la inspiración. La mirada indiscreta de Clouzot se compadece bien con lo que quiere mostrarnos y se lo agradecemos porque sentimos que conocemos mejor a Picasso, aunque solo sea una ilusión y posiblemente juegue también con nosotros.  Por eso, tal vez, Picasso destruyó todos los cuadros que aparecen en la película una vez concluido su rodaje, hecho que propició que el documental fuese declarado Tesoro Nacional por el Gobierno Francés en 1984.

El misterio de Picasso

AI WEIWEI: NEVER SORRY (2012)

Documental acerca del artista chino Ai Weiwei, dirigido por Alison Klayman. El artista chino expone las razones por las cuales decidió convertirse en un activista político utilizando el arte como un medio para expresar sus ideas. Valiente, atrevido, cuestiona permanentemente el poder chino y los diferentes tipos de violencia que ejerce hacia los disidentes. A veces el carácter disidente de Ai Weiwei solapa a su condición artística, pero la personalidad del artista chino es tan poderosa que sigue manteniendo todo nuestro interés en el desarrollo del documental, no en vano es el autor chino más reconocido a nivel mundial.

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FRIDA (2002)

Adaptación cinematográfica de la relación entre Frida Kahlo y Diego Rivera dirigida por Julie Taymor quien se basa en el libro del mismo nombre de H. Herrera. La convulsa relación entre los dos genios mejicanos es el argumento central de la película, los tormentos y las brutales exageraciones de la pintora que tal vez contribuyeron a moldear su original estilo artístico.

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YO DISPARÉ A ANDY WARHOL (1996)

Dirigida por Mary Harron, es una película de contenido crítico con respecto al arte y la sociedad de los 60, basada en la historia de Valerie Solanas. Después de escribir un guión para una película, se propuso que Andy Warhol la produjera, pero, cuando él artista lo rechazó, ella le disparó. El 3 de junio de 1968, Solanas acudió a The Factory y se encontró con Warhol en el ascensor. Después de varios minutos de conversación Valerie sacó un revólver y disparó dos veces. Warhol cayó al suelo e intentó protegerse bajo un escritorio, pero un tercer disparó le atravesó el cuerpo. Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que controlaba demasiado su vida. Se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la envió al Hospital Ward Island. Detrás de este suceso conviene leer entre líneas de esta irregular película y podremos intuir todo lo que se cocía en The Factory, lo bueno y lo malo.

 SUEÑOS (1990)

Terminamos nuestra elección con esta maravillosa película de Akira Kurosawa con la colaboración de Ishiro Honda. Habla de la pintura de Van Gogh en la visión de un estudiante de arte. La narrativa de este filme transita por los ocho sueños que Kurosawa advierte, en repetidas ocasiones, que le persiguen: la infancia, la espiritualidad, el arte, la muerte, los desastres universales y los errores del hombre con respecto al mundo. Estamos ante una perfecta semiótica dividida entre un lado real y su lado metáforico. Son las obsesiones de un cineasta que utiliza su cámara como un pincel, comparable a la sintaxis narrativa de un Bergman o un Visconti al otro lado de la línea. Es una obra de arte basada en la obra de otro genio. Maravillosa confrontación de talento que define lo que es el arte con mayúsculas y sus pretensiones. Lo vemos en su cuarta reflexión que es el cuarto sueño. Nadie explicó tan bien y con tanta economía de medios lo que supone por trascendente la obra de Van Gogh. Y nos lo cuenta un niño.

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